Michelangelo Vizzini e il linguaggio della fragilità

by Micaela Morganelli

C’è una nuova generazione di attori italiani che non sembra interessata alla perfezione, ma alle crepe. Michelangelo Vizzini appartiene a questa categoria: interpreti che utilizzano l’estetica come accesso emotivo, non come semplice superficie. In Love Me Love Me, progetto che lo ha reso uno dei volti più riconoscibili del momento, la sua presenza scenica vive infatti di contrasti continui, controllo e vulnerabilità, fascino e insicurezza, leggerezza e inquietudine.

Dietro l’immagine patinata che spesso accompagna il racconto contemporaneo dei sentimenti, Vizzini cerca qualcosa di più umano e imperfetto. Nelle sue parole emerge un approccio alla recitazione molto fisico e intuitivo: il corpo diventa il primo strumento narrativo, un linguaggio silenzioso fatto di pause, esitazioni e dettagli che raccontano ciò che il dialogo non esplicita. È proprio lì che, secondo lui, nasce la verità di un personaggio.

Lontano dall’idea di una recitazione costruita esclusivamente per apparire, Michelangelo sembra interessato a lasciare spazio all’errore, alla fragilità e a tutto ciò che rompe la perfezione estetica. Anche parlando del proprio personaggio, Blaze, evita qualsiasi mitizzazione: lo definisce quasi come un fratello minore, una presenza emotiva con cui entrare in sintonia più che un ruolo da interpretare freddamente. E forse è proprio questo uno degli aspetti più interessanti del suo percorso: la volontà di non separare mai completamente l’attore dalla persona.

In un panorama audiovisivo che corre sempre più veloce e premia l’immediatezza, Vizzini rivendica invece il valore del lavoro interiore. La profondità psicologica, racconta, nasce dalla necessità di andare oltre ciò che appare visibile a un primo sguardo. Un pensiero che riflette perfettamente anche il tono di Love Me Love Me, serie che sotto una superficie estremamente contemporanea nasconde temi molto più universali: la paura di non essere abbastanza, la solitudine emotiva, il bisogno disperato di essere riconosciuti.

Interessante anche la sua visione del futuro. Dopo aver interpretato personaggi guidati da intenzioni positive, l’attore confessa il desiderio di confrontarsi con ruoli più oscuri, moralmente ambigui, lontani dalla comfort zone emotiva costruita finora. Una scelta che lascia intuire una ricerca artistica ancora aperta e in evoluzione.

E poi c’è il cinema che immagina per sé: sospeso tra realismo e dimensione onirica, con emozioni più importanti dei fatti e una forte componente musicale. Non sorprende infatti il suo interesse per la scrittura di colonne sonore, ulteriore indizio di un approccio artistico trasversale, in cui immagine, suono ed emotività convivono nello stesso spazio creativo.

In Love Me Love Me, l’estetica non è un semplice contorno, ma diventa sostanza narrativa. La tua immagine ha una forza iconografica quasi dominante: come lavori sul corpo come strumento espressivo? Esiste, secondo te, il rischio che la bellezza si trasformi in una gabbia dorata, capace di nascondere l’attore dietro l’immagine?

Il corpo è il primo vero strumento narrativo, ancora prima della parola. Mi piace lavorare molto sui dettagli, sul modo in cui un personaggio occupa lo spazio, sui silenzi e su tutto ciò che rimane sospeso nel non detto. Credo che spesso siano proprio quei piccoli movimenti involontari a raccontare davvero un’emozione.

Il rischio della “gabbia dorata” esiste assolutamente, soprattutto oggi, in un’epoca in cui l’immagine viene consumata così velocemente. Per questo cerco sempre di sporcare ciò che appare troppo perfetto o troppo patinato. Le crepe, le esitazioni, le contraddizioni sono molto più interessanti della perfezione: sono più umane e permettono al pubblico di riconoscersi davvero in un personaggio.

Cinema e serialità oggi sembrano muoversi su ritmi sempre più rapidi, frammentati. In questo contesto, come si costruisce una vera profondità psicologica? Come si resiste alla tentazione di fermarsi alla superficie, quando tutto sembra premiare l’immediatezza estetica?

Credo che la profondità nasca proprio dal desiderio di raccontare ciò che gli altri tendono a guardare solo superficialmente. Anche se oggi il ritmo del cinema e della serialità è molto veloce, il lavoro interiore non dovrebbe mai esserlo.

Per me è importante costruire un personaggio partendo dalle sue fragilità, dalle sue paure, da quello che cerca di nascondere. È facile fermarsi all’estetica o all’impatto immediato di una scena, ma ciò che resta davvero è sempre la parte emotiva, quella meno controllata.

Ti sei trovato a incarnare il volto di una generazione che vive i sentimenti in modo totalizzante, spesso esposto e pubblico. Senti una responsabilità nel dare voce a questa fragilità, oppure vivi il tuo ruolo come uno spazio di pura libertà creativa?

Sento questa responsabilità, ma non come un peso. Più come una forma di consapevolezza. Raccontare la fragilità richiede rispetto, perché è qualcosa di estremamente reale e vicino a tutti noi.

Credo che oggi ci sia meno paura di mostrare le proprie insicurezze, e questo rende i personaggi anche più autentici. La fragilità non è debolezza: è il motore di tantissime scelte, relazioni e cambiamenti. In fondo, l’idea dell’invincibile non appartiene più davvero alla nostra generazione.

Sotto la patina levigata di Love Me Love Me, cosa c’è di più ruvido, imperfetto, reale? Qual è quell’elemento “sporco” che hai cercato di inserire nella tua interpretazione e che forse il pubblico non ha ancora colto fino in fondo?

Sotto la superficie c’è molta solitudine, e anche la paura costante di non essere mai abbastanza. Mi interessava inserire proprio questo tipo di fragilità nel personaggio, qualcosa di meno evidente ma sempre presente.

L’elemento più “sporco” sta probabilmente nelle sue esitazioni, nei momenti in cui si contraddice o cerca di nascondersi dietro l’ironia. È un personaggio che usa il sarcasmo e la leggerezza quasi come una protezione, ma sotto quella maschera ci sono molte insicurezze profonde.

Moda e cinema si contaminano sempre più profondamente. Se dovessi tradurre il tuo modo di recitare in un linguaggio materico o in un’estetica di brand, quale sarebbe? Ti riconosci di più in una recitazione minimale o in una costruzione emotiva più stratificata e intensa?

Penso che ogni attore, indipendentemente dal personaggio che interpreta, finisca sempre per portare una parte di sé in scena. Siamo fatti di tantissime sfumature, e questo lavoro ci dà quasi il permesso di esplorare lati diversi di noi stessi.

Nel mio caso porto molto dei miei valori, del mio modo di vedere le cose e della mia sensibilità, aggiungendo poi tutto ciò che il personaggio richiede. Mi piace però che l’intensità emerga in maniera spontanea, senza risultare troppo costruita. Preferisco una recitazione emotiva e stratificata, ma che mantenga sempre qualcosa di naturale.

C’è stato un momento preciso sul set in cui hai percepito che questo progetto avrebbe segnato una svolta nel tuo percorso? Quel punto in cui non eri più tu a interpretare il personaggio, ma era il personaggio ad attraversarti completamente?

Blaze è un personaggio a cui mi sono sentito legato fin dal primo momento. In qualche modo l’ho percepito subito molto vicino a me, quasi come un fratello minore.

Ricordo che già quando ho ricevuto la mail per il self-tape avevo la sensazione che questo progetto avrebbe avuto qualcosa di speciale. Durante le riprese quel legame è cresciuto ancora di più, ed è stato bello sentire che il personaggio continuava ad attraversarmi anche fuori dal set. Sono molto felice che questa storia abbia un seguito e di poter continuare questo viaggio con lui.

Un ruolo così iconico può essere anche un’arma a doppio taglio. Come immagini il “dopo”? Quale parte di te, come attore, senti di non aver ancora mostrato e vorresti che emergesse nei prossimi progetti?

Mi piacerebbe esplorare personaggi più ambigui, magari con intenzioni meno buone. Fino a oggi ho spesso interpretato figure molto emotive ma guidate da una sincerità di fondo.

Credo che confrontarmi con qualcosa di più oscuro o imprevedibile potrebbe essere una sfida molto interessante, anche per scoprire nuovi lati di me come attore. È proprio uscendo dalla propria zona di comfort che si cresce davvero.

Se potessi firmare la direzione artistica di un film completamente tuo, che tipo di universo costruiresti? Ti muoveresti verso un realismo crudo o verso una dimensione più onirica e sospesa?

Probabilmente sceglierei una via di mezzo. Mi affascina molto il realismo, ma non quello puramente documentaristico. Mi piace l’idea di un universo in cui il confine tra realtà e percezione rimanga sempre un po’ sfocato, dove le emozioni abbiano più peso dei fatti stessi.

Vorrei costruire qualcosa di molto sensoriale, quasi sospeso, accompagnato da una colonna sonora forte e presente. La musica per me è fondamentale, e uno dei sogni che ho è proprio quello di scrivere una soundtrack per un film.

Michelangelo Vizzini non sembra voler inseguire il modello dell’attore “perfetto” o irraggiungibile. Al contrario, il suo percorso appare costruito attorno all’idea che siano proprio le fragilità, le contraddizioni e le zone meno controllate a rendere un personaggio davvero memorabile. In un momento storico in cui tutto tende a essere veloce, filtrato e immediatamente consumabile, la sua ricerca va nella direzione opposta: rallentare, scavare, lasciare spazio a ciò che resta irrisolto.

Ed è probabilmente questo che rende la sua presenza così contemporanea. Non tanto l’estetica, quanto la capacità di far percepire quello che esiste sotto la superficie.